- Wacław Szpakowski entwickelte Skizzen, die er um 1900 im Alter von 17 Jahren begann, sein Leben lang weiter, bis daraus labyrinthartige geometrisch-abstrakte Zeichnungen aus einer einzigen durchgehenden Linie wurden
- Ausgangspunkt waren spontane Experimente, für die nur Papier und Bleistift nötig waren, doch die fertigen Arbeiten besitzen eine präzise Gleichmäßigkeit und hohe Komplexität, sodass die Herstellungsweise selbst zum Gegenstand der Betrachtung wird
- Die Werke wurden erst 1978, fünf Jahre nach seinem Tod, öffentlich gezeigt, und Grounding Vision: Waclaw Szpakowski in der New Yorker Miguel Abreu Gallery ist die bislang größte Szpakowski-Ausstellung in den USA
- Die Ausstellung stellt 26 Zeichnungen und Originalnotizen neben Arbeiten zeitgenössischer Künstler und kontrastiert Fragen von Wiederholung, System und Linienbewegung mit Werken, die fast ein Jahrhundert später entstanden sind
- Für Szpakowski war diese Arbeit kein Dekor, sondern eine lineare Idee, die mit den Augen nachverfolgt werden muss; die Ausstellung holt ihn damit in die Debatten um abstrakte, konzeptuelle und Outsider-Kunst hinein
Ein Lebensprojekt aus einer einzigen Linie
- Wacław Szpakowski ordnete im Alter von 85 Jahren mit „Rhythmical Lines“ das Werk, das ihn sein ganzes Leben begleitet hatte
- Dieses Projekt ist eine Serie labyrinthartiger geometrisch-abstrakter Zeichnungen, die jeweils aus einer einzelnen durchgehenden Linie bestehen
- Er begann diese Zeichnungen um 1900 im Alter von 17 Jahren und entwickelte sie weiter, indem er frühe Skizzen schrittweise formalisierte, sammelte und komplexer machte
- „Rhythmical Lines“ ist in der dritten Person geschrieben und verrät eine Unsicherheit hinsichtlich der eigenen künstlerischen Legitimation
- Für Szpakowski waren diese Zeichnungen kein Produkt des Ateliers, sondern Experimente mit geraden Linien, die er an verschiedenen Orten und in zufälligen Momenten spontan ausführte; nötig waren nur Papier und Bleistift
Herstellungsweise zwischen Spontaneität und Präzision
- Die Keime der Ideen entstanden in informellen Notizheften, doch die vollendeten Zeichnungen zeigen ein hohes handwerkliches Niveau, das wenig mit Improvisation oder Zufall zu tun hat
- Die Arbeiten verbinden gleichmäßige Linienführung, saubere Ausführung und hohe Komplexität
- Einige Radierungsspuren sind fast die einzigen Hinweise, aus denen sich der Entstehungsprozess erschließen lässt
- In einer Zeichnung sind beidseits der dicken Schlusslinie zwei weitere Linien sichtbar
- Das deutet darauf hin, dass Szpakowski den Verlauf jedes Entwurfs möglicherweise dreimal nachgezeichnet hat
Veröffentlichung 1978 und Ausstellung in New York
- Szpakowskis Werke wurden dem Publikum erst 1978, fünf Jahre nach seinem Tod, zugänglich gemacht
- Danach waren sie in mehreren Ausstellungen zu sehen, wurden aber vor allem in seiner Heimat Polen gezeigt, blieben weithin unbekannt und konnten leicht missverstanden werden
- Grounding Vision: Waclaw Szpakowski in der New Yorker Miguel Abreu Gallery ist die bislang größte Ausstellung von Szpakowskis Arbeiten in den USA
- Die Ausstellung präsentiert 26 Zeichnungen Szpakowskis und seine Originalnotizen zusammen mit Werken zeitgenössischer Künstler
- Kuratiert wurde sie in Zusammenarbeit von Masha Chlenova und Anya Komar; sie nimmt eine experimentelle Form an, in der über fast ein Jahrhundert hinweg Antworten, Kritik und Gegenreden aufeinandertreffen
Szpakowski als Architekt, Ingenieur und Geiger
- Szpakowski lässt sich kaum nur als regionale Figur verstehen; nach einer Architekturausbildung arbeitete er als Ingenieur
- Er spielte Violine und war später der Ansicht, seine Zeichnungen ließen sich auch als musikalische Partituren verwenden
- Seine Notizbücher vereinen architektonische Beobachtungen, Schemata natürlicher Phänomene und leidenschaftliche Vermerke, sodass sie wie Notizbücher von Leonardo da Vinci in einer Version des 20. Jahrhunderts wirken
- Zu den Beobachtungsgegenständen gehörten Naturphänomene wie Meeresströmungen und Tannennadeln
- Auch während der beiden Weltkriege setzte er diese intellektuelle Tätigkeit fort
- Im Zweiten Weltkrieg war er aktives Mitglied der Home Army
- Deshalb wurde er inhaftiert, und sein Sohn starb
- In „Rhythmical Lines“ schreibt er, dass schon die Tatsache, seine Skizzen trotz der Zerstörung und Widrigkeiten der beiden Weltkriege bewahrt zu haben, zeige, wie wichtig ihm seine lineare Idee war
Keine Dekoration, sondern eine nachzuverfolgende Linie
- Ein Publikum des 21. Jahrhunderts könnte Szpakowskis präzise Designs zunächst für computergenerierte Arbeiten halten und sich, sobald klar wird, dass sie von Hand gezeichnet sind, übermäßig auf die Technik ihrer Herstellung konzentrieren
- Szpakowski problematisierte schon zu Lebzeiten die Art, wie seine Entwürfe als Dekor auf einen Blick konsumiert werden könnten
- Er hielt auch Abstand zu Deutungen, die sie auf Bezüge wie den altgriechischen Mäander oder textile Muster reduzieren
- Für ihn waren die Werke keine bloße Dekoration, sondern eine lineare Idee
- „Ein einziger Blick reicht nicht aus“
- Man müsse der Linie von links nach rechts folgen, um ihrem inneren Gehalt näherzukommen
- Dieser Prozess ähnelt dem Lesen
Gegenüberstellung mit zeitgenössischen Künstlern
- Die Ausstellung bündelt Motive nach Szpakowskis eigenem Nummerierungssystem und verteilt Arbeiten von sieben zeitgenössischen Künstlern im gesamten Galerieraum
- Florian Pumhösl kannte Szpakowski bereits und schuf für diese Ausstellung fünf Gipsarbeiten, die direkt auf dessen Zeichnungen reagieren
- Diese Arbeiten wirken wie von oben betrachtete Modelle und rufen Szpakowskis Architekturausbildung in Erinnerung
- Sie untersuchen Eingänge und Ausgänge von Szpakowskis Zeichnungen dreidimensional und formen sie wie Zu- und Abfahrtsrampen zu einem Hochplateau
- Betritt man die Linie, treten das Tempo und die scharfen Kurven hervor, als befände man sich auf einer Einbahnstraße ohne Mittelstreifen oder Rastplätze
- Guy de Cointets dreiminütiger Film zeigt eine Linie, die sich langsam über kräftige abstrakte Formen bewegt
- Nachdem man den Titel Untitled (7) gelesen hat, erkennt man, dass es sich um den Sekundenzeiger einer beschnittenen und gedrehten Uhr handelt, der langsam die Zahl 7 überquert
- Hanne Darbovens Installation markiert die Daten eines Jahres auf eigentümliche Weise
- Sam Lewitts Arbeit wirkt formal Szpakowski nah, bezieht sich jedoch auf ein vergrößertes Modell eines Heizsystems, das in Kommunikationstechnologie verwendet wird, und funktioniert auch so
- Beide Künstler interessieren sich für die Effizienz von Formen, die mit unsichtbaren Kräften verbunden sein können
- Lewitts Arbeit nimmt die für Gegenwartskunst typische kritische Distanz ein und lässt Szpakowskis Erfindung wie eine alte Naivität erscheinen
Vom Kuriosum zum Gegenstand der Debatte
- Einige Gegenüberstellungen betonen die Kluft zwischen Szpakowskis Zeit und der Gegenwart
- Dennoch bewahrt sein Projekt eine innere Spannung und Beharrlichkeit
- Diese Ausstellung holt Szpakowski aus dem Bereich bloßer Kuriosität heraus und verlegt ihn in einen Raum der Diskussion
- Masha Chlenova nennt als Element, das in Szpakowskis Arbeit Resonanz erzeugt, eine „ultimative Nerdigkeit“ und hebt hervor, dass er darauf beharrte, in sehr isolierter Weise etwas entdeckt zu haben, woran sonst niemand gedacht hatte
- Diese Isolation ist keine Naivität im negativen Sinn, sondern ein Gefühl von Freiheit, das für das künstlerische Schaffen wichtig sein kann
1 Kommentare
Hacker-News-Kommentare
Ich mag solche geometrische Kunst wirklich sehr. Ich mache selbst auch komplexe, auf Kachelmustern basierende digitale geometrische Arbeiten auf https://andrewwulf.com
Nicht zum Verkauf, sondern einfach nur zum Zeigen. Geometrie und Mathematik können auf Menschen ziemlich anziehend wirken, aber heutzutage scheint das kommerziell außerhalb von NFTs nicht besonders populär zu sein. Wiederholung und Variation können in der Kunst ein starkes Werkzeug sein, und Wacław verdient es, bekannter zu werden
Ich wollte ein paar hervorheben, aber wenn ich eines lange anschaute und dann ein neues Werk sah, gefiel mir das neue wegen seines Neuheitswerts immer besser, sodass ich selbst irgendwie im Kreis lief
Es erinnerte mich auch an das Grafikdesign von "May Contain Hackers 2022". Das hat mir wirklich gefallen, und es gab auch ein Tool, das ähnliche Designs erzeugte: https://mch2022.org/#/ https://mch2022.org/design/
Es erinnerte mich auch an Arbeiten von Bernard Cohen, die ich in der Tate Modern gesehen habe. Für mich ging das über das bloße Reizen von „schönen geometrischen Mustern“ hinaus und wirkte wie eine Leistung der nächsten Stufe, bei der man Ordnung und Unordnung spürt, als ob menschliche Intelligenz am Werk wäre
Ich konnte keine Seite finden, auf der genau die Werke versammelt sind, an die ich denke, aber es gibt ein paar nützliche Links:
https://www.flowersgallery.com/exhibitions/387-bernard-cohen...
https://www.artnet.com/artists/bernard-cohen/
Das hier ist vermutlich umfassender:
https://duckduckgo.com/?q=bernard+cohen+works&iax=images&ia=...
https://omarrr.com/isolation-pixel-series
Ebenfalls nicht zum Verkauf
Dabei werden alle RGB-Werte jeweils genau einmal verwendet, um ein Werk zu erstellen
Beispiel: https://allrgb.com/
Durch diesen Beitrag und einen Kommentar, der iterierte Funktionensysteme erwähnte, gibt es innerhalb dieses Themas eine interessante Verbindung zwischen zwei Polen: Wacław Sierpiński, also der mit dem Sierpiński-Dreieck [1], und "Wacław Szpakowski". Zeitlich hätten sie sich möglicherweise begegnen können
Ein weiterer interessanter Aspekt solcher Verbindungen ist, nach Materialien zu suchen, in denen beide in demselben Medium gemeinsam erwähnt werden, etwa auf einer Webseite oder in einer wissenschaftlichen Arbeit. So bin ich auf ein sehr vielversprechendes Buch von Axel Rohlfs gestoßen: "Art, algorithm and ambiguity. Aesthetic ambiguity with regard to metacognition based on visual semiotics, visual rhetoric and Gestalt Psychology" [2]
Diese Methode funktioniert gelegentlich auch in anderen Bereichen. Wenn ein Forscher einige weniger bekannte Fakten, Namen oder Objekte aus einem Gebiet kennt, ist die Wahrscheinlichkeit groß, dass er auf diesem Gebiet ziemlich versiert ist oder sich zumindest ausreichend Zeit damit beschäftigt hat
[1] https://en.wikipedia.org/wiki/Wac%C5%82aw_Sierpi%C5%84ski
[2] https://archiv.ub.uni-heidelberg.de/artdok/8576/1/Rohlfs_Art...
Wenn dir so etwas gefällt, lohnt es sich, die gesamte Bewegung der Op-Art anzuschauen [1]. Insbesondere gibt es Künstlerinnen wie Bridget Riley.
Ich habe 2003 die große Riley-Ausstellung in der Tate gesehen, und sie war wirklich großartig. Direkt beim Betreten hing an der ersten Wand ein riesiges, eigens für diese Ausstellung geschaffenes einmaliges Werk. Auf einer sehr hellweißen Wand waren schwarze 3/4-Kreise in einem recht weiten Raster angeordnet, und die Lücken jedes Kreises schienen sich über die Wand hinweg zu drehen, je nachdem, ob man nach oben oder unten blickte.
Obwohl es ein rein statisches schwarzweißes Werk war, war es eine sehr eigenartige optische Täuschung, die das Gehirn Farben und Bewegung halluzinieren ließ. Ich kannte Bridget Rileys Arbeiten bereits ein wenig, weil sie eine der visuellen Künstlerinnen ist, die man beim Studium der Musik des 20. Jahrhunderts kennenlernt, aber ich hatte nicht erwartet, dass diese Illusion auch in so großem Maßstab so gut funktioniert.
[1] https://en.wikipedia.org/wiki/Op_art
Am besten gefielen mir die späteren, farbenreichen Wandarbeiten wie Rajastan (2012). Dass sie direkt auf die Galeriewände gemalt werden, wirft interessante Fragen in Bezug auf Urheberrecht oder Eigentum an Kunstwerken auf.
Vermutlich muss ihr Team sie an jedem Ausstellungsort neu anfertigen und auch die Zerstörung beaufsichtigen. Man kann sich fast einen Transporter-Fehler wie in Star Trek vorstellen: „Mist, jetzt gibt es Rajastan (2012) doppelt.“
Ich fand es auch immer interessant, dass ihr das Ergebnis dieser 3D-Arbeit nicht gefiel und sie deshalb für den Rest ihrer Karriere zu flachen Leinwänden zurückkehrte. Trotzdem fand ich auch dieses Werk überwältigend.
Ein Link zu einer guten Riley-Dokumentation für Leute mit BBC-Zugang: https://www.bbc.co.uk/iplayer/episode/m0011psx/bridget-riley...
Großartig. Es erinnert mich an Claude Mellans Gesicht Christi von 1649. Auch das verwendet eine einzige durchgehende Linie, nur dass er sie von Hand in Stahl graviert hat.
https://www.gallery.ca/magazine/your-collection/a-familiar-f...
Diese Werke erinnern mich an https://en.m.wikipedia.org/wiki/Space-filling_curve
Ich war schon immer vom Hilbert-Kurve fasziniert.
Das sieht aus wie eine Goldgrube für Logo-Übungsaufgaben, bei denen das Ziel ist, das kürzeste Programm für ein gegebenes Bild zu schreiben. Man könnte sie vielleicht alle auch nach Kolmogorov-Komplexität klassifizieren.
Beim ersten Blick musste ich an eine PCB-Antenne denken. Aus Spaß würde ich gern sehen, welche Funkfrequenzeigenschaften sich ergäben, wenn man sie tatsächlich benutzen würde.
Wirklich beeindruckend. Man muss das Entstehungsjahr dieser Arbeiten und den damaligen Zeitgeist mit bedenken.
Um damals auf so etwas zu kommen, brauchte es wohl eine andere Art zu denken. Großartige, gut gemachte Arbeit. Deshalb sind Künstler wichtig. Sie sind die Eisbrecher, und der Rest folgt hinterher.
Ich war in NYC, als diese Ausstellung vorbereitet wurde, und ein Freund erwähnte diesen Artikel und sagte, ich solle hingehen.
Ich glaube nicht, dass ich mich jemals mit einer Galerieausstellung so stark verbunden gefühlt habe wie mit Wacławs Werk. Irgendetwas daran, mit einer einzigen Linie so komplexe Arbeiten zu schaffen, hatte es mir angetan. Es war ein zufälliger Moment, den ich nicht so bald vergessen werde.
Im vordigitalen Zeitalter waren Entdeckung und Verbreitung kaputt, deshalb wurden talentierte Schöpfer übersehen. In der digitalen Zukunft werden Entdeckung und Verbreitung ebenfalls kaputt sein, deshalb werden talentierte Schöpfer übersehen werden.
Genug gejammert, das hier ist ein ziemlich seltener Fund.
Ich frage mich, ob es für Einlinienzeichnungen etwas Entsprechendes zu aperiodischen Parkettierungen gibt.
https://www.felixflicker.com/research