Wie viele Künstler haben die Beatles „getötet“?
(cantgetmuchhigher.com)- 1964 wurde zum Bezugspunkt für die Frage, ob die alte Hit-Formel der Popmusik tatsächlich zusammenbrach, weil der US-Durchbruch von The Beatles mit der British Invasion zusammenfiel
- The Rolling Stones, Motown, Bob Dylan und The Beach Boys bewegten sich zur selben Zeit, wodurch sich der Wandel kaum allein durch den Einfluss einer einzigen Band, der Beatles, erklären lässt
- Mitte August 1964 mischten sich in den oberen Rängen der Billboard Hot 100 etablierte Stars und neue Strömungen; in der folgenden Woche kam mit „House of the Rising Son“ von The Animals ein weiterer Titel hinzu, der die Atmosphäre einer Übergangszeit zeigte
- Die Analyse verfolgt, ob 175 Künstler, die 1963 eine Top-40-Single hatten, ab 1964 erneut Hits landeten
- Von den 175 schafften es 88, also 50 %, nicht erneut in die Top 40; nimmt man jedoch nur ein einzelnes Jahr als Maßstab, kann der Schock der British Invasion überschätzt werden
Warum 1964 wie ein Wendepunkt wirkt
- 1964 wird oft als das Jahr genannt, in dem The Beatles in den USA durchbrachen und die British Invasion auslösten
- Im selben Jahr traten auch andere Entwicklungen gleichzeitig hervor
- The Rolling Stones veröffentlichten ihr Debütalbum
- Motown zeigte in der Popmusik starke Präsenz, brachte vier Nummer-eins-Hits hervor, davon drei von The Supremes
- Bob Dylan veröffentlichte zwei Alben
- The Beach Boys setzten ihre Hitserie fort
- Die Top 5 der Billboard Hot 100 vom 15. August 1964 waren ein Beispiel dafür, wie klassischer Pop, Soul und Rock nebeneinanderstanden
- „Everybody Loves Somebody“ — Dean Martin
- „Where Did Our Love Go“ — The Supremes
- „A Hard Day’s Night“ — The Beatles
- „Rag Doll“ — Frankie Valli & the Four Seasons
- „Under the Boardwalk“ — The Drifters
- Eine Woche später ersetzte in denselben Top 5 „House of the Rising Son“ von The Animals den Titel „Rag Doll“
- Dieser Song gilt manchen als Auslöser dafür, dass Dylan auf elektrisch verstärkte Musik umstieg, und als Stück, das die Rockmusik in eine neue Richtung drängte
Spätere Erfolge der Top-40-Künstler von 1963
- Die zentrale Frage lautet, ob Künstler, die 1963 Hits produzierten, bald verschwanden, wenn sie 1964 ihren Sound nicht änderten – also ob die von The Beatles angeführte British Invasion viele Karrieren beendete
- Anhand der Billboard Hot 100 wird untersucht, ob die Sound-Veränderung durch das Auftreten neuer Gruppen entstand oder durch die Anpassung etablierter Künstler
- Untersucht wurden 175 Künstler, die 1963 mindestens eine Top-40-Single hatten
- Den Rekord für die meisten Top-40-Hits im Jahr 1963 teilten sich Bobby Vinton, Brenda Lee, Dion & the Belmonts, Ray Charles und The Beach Boys mit jeweils sechs Titeln
- Von diesen 175 Künstlern hatten 88 im Jahr 1964 oder später keinen weiteren Top-40-Hit mehr
- Anteil ohne erneuten Hit: {p:50}
- Als Quote sind das 50 %
- Allein diese Zahl lässt die British Invasion so erscheinen, als hätte sie viele Karrieren beendet; eine Analyse auf Basis eines einzelnen Jahres kann jedoch verzerrt sein
1 Kommentare
Meinungen auf Hacker News
Dass es in den 90ern zu einem sprunghaften Anstieg von One-Hit-Wonders kam, war nicht überraschend. Damals arbeitete ich als Line Cook und Bauarbeiter und hörte mehr als sechs Stunden am Tag Radio; wenn ich diese Hits heute wieder höre, ist das ziemlich unterhaltsam.
Superman, Burning Beds, Seether, Bands, die nach Kisten oder Stühlen benannt waren, Eddie-Vedder-Abklatsche mit weit ausgebreiteten Armen – eins nach dem anderen fällt mir wieder ein. Damals hörte man sie bis zum Überdruss, bis der nächste neue Hit sie verdrängte, aber heute kommen so viele Erinnerungen zurück, dass es schwerfällt, sie noch so sehr zu hassen wie damals. Ich weiß auch noch ganz genau, wo ich Smells Like Teen Spirit zum ersten Mal gehört habe: Ich saß auf dem Parkplatz eines Shoney's in Charlottesville, Virginia. Das typische FM-Radio davor bestand aus Hair Metal und Classic Rock.
Am liebsten mochte ich Seven Mary Three. Ich sah sie in einer Bar ohne Klimaanlage in Virginia Beach; es war qualvoll, aber die Songs waren echte Ohrwürmer. Weniger als ein Jahr später strich ich gerade eine Highschool in Orlando, als Cumbersome im Radio lief und der Moderator sagte: „Könnt ihr glauben, dass diese Leute noch nicht einmal einen Plattenvertrag haben?“ Kurz darauf liefen sie überall auf MTV. Auf Platz zwei steht, dass ich 1991 No Doubt als Vorband einer vergessenen Band gesehen habe; sie waren wirklich großartig, und als ich I'm Just a Girl zum ersten Mal im Radio hörte, wusste ich schon vor der Ansage, wer das war.
Ich habe auch als Security bei einem Pearl-Jam-Konzert im Ballsaal des Studentenzentrums gearbeitet. Viel Musik aus dieser Zeit klingt heute noch gut, und als unterschätzte Band würde ich Eve 6 nennen. Phish veranstalteten in Maine und im Upstate New York auch Wochenend-Camping-Konzerte/Festivals. Das Ende nahm mit den Ausschreitungen bei Woodstock '99 eine eher unschöne Wendung.
https://en.m.wikipedia.org/wiki/Woodstock_%2799
Manchmal genieße ich, wie bei Neil Young, die spätere Diskografie weiterhin regelmäßig[1], aber es gibt auch Fälle, in denen es wirkt, als hätten sie den Faden verloren, etwa nachdem Frank Zappa zum Synclavier gegriffen hatte. Andere Künstler wiederum irren jahrelang umher und veröffentlichen dann etwas, das besser ist als früher[2]. Trotzdem können Live-Auftritte auch ohne neue Hits erstaunlich sein – etwa bei Public Enemy oder bei dem 38-Special/Foghat-Konzert, für das mein Sohn letztes Jahr Karten gewonnen hatte[3].
Früher hätte ich einfache Erklärungen wie „kamen mit der Musiktechnologie nicht zurecht“ oder „zu alt zum Rocken“ bemüht, aber nachdem ich viel späte Musik gehört habe, die trotz ausbleibender Popularität hörenswert ist, sehe ich die Laufbahn jedes Künstlers als ganz individuell.
[1] Ausgenommen die umstrittenen Monsanto Years.
[2] https://en.wikipedia.org/wiki/Synthesizer_(album) war eines der wenigen Werke, die mein böser Zwilling gefunden hat und die ich nicht abstreiten würde.
[3] Sie haben das Problem auf mehrere Arten gelöst. Verstorbene Mitglieder wurden durch andere bekannte Rockmusiker ersetzt, und ich hätte nie erwartet, „Play that funky music white boy“ oder das Instrumentalstück aus dem Heavy-Metal-Soundtrack zu hören, aber es war großartig. Foghat bezahlten sogar einen Songwriter, um einen neuen Song zu schreiben, der perfekt ins Set passte.
Seit etwa 2000, besonders heute, wirken Chart-Diskussionen ziemlich bedeutungslos. Die Musikdistribution ist so stark in Genre-Nischen zersplittert, dass die „Pop“-Charts nicht mehr wie früher den Geschmack einer ganzen Generation widerspiegeln
Es ist traurig, dass der Soundtrack einzelner Epochen, wie es ihn früher gab, verschwunden ist. Wenn man Filme sieht, die in verschiedenen Zeiten spielen, konnte man allein an den laufenden Songs erkennen, in welcher Zeit man sich befindet
Nach 2000 fühlt es sich so an, als sei das vorbei. Selbst wenn zeittypische Musik läuft, ruft sie bei weitem nicht so vielen Zuschauern gemeinsame Erinnerungen hervor wie in früheren Generationen
Früher spielte man auf Roadtrips mit Freunden ein Mixtape mit allen möglichen Songs ab, und alle kannten jedes Lied und sangen begeistert mit. Heute ist das nicht mehr so. Oder vielleicht kennen heutige Zwanzigjährige sogar noch diese Songs, wenn man ihnen ein 80er-Jahre-Tape vorspielt
Es gibt einen Grund, warum Musik der 80er bei Jüngeren ein großes Revival erlebt. Ein Großteil heutiger Popmusik ist miserabel. Kreativ fehlt es oft sogar an einer ordentlichen Songstruktur wie Melodie, Chorus und Bridge, und technisch wird der Dynamikumfang so stark komprimiert, dass eine Wand aus Lärm entsteht
Heute höre ich sowohl alte als auch neue Musik, auch Musik, die älter ist als ich. Mein Motto ist: Wenn sie vor 50 Jahren hörenswert war, ist sie es wahrscheinlich heute noch; wenn sie damals Müll war, ist sie es meistens immer noch
Es gibt viele junge Künstler, die neue Musik in nahezu jedem Stil der letzten 60 Jahre machen. Das Gefühl „Diese Leute sind nicht einmal halb so alt wie ich“ muss man überwinden, aber manches davon ist ziemlich gut. Es gibt einen riesigen Long Tail relativ unbekannter Musik, den es in den 80ern und 90ern nicht gab und der es wert ist, erkundet zu werden
Pop-Charts haben schon vor langer Zeit an Bedeutung verloren. Die Leute kaufen keine LPs, CDs oder Singles mehr, und das Radio spielt Songs auch nicht nach Verkaufsstatistiken. Natürlich gibt es weiterhin Künstler, die im Radio laufen, aber Radio ist eher ein Medium für ältere Menschen; die Kids hören die Musik, die sie wollen, wann sie wollen, über Kopfhörer, die mit ihren Handys verbunden sind, nicht über das Radio
Gestern habe ich mir Kneecap angesehen. Es ist ein irisches Mockumentary über eine echte Band, die irischen Rap macht; die Musik ist ziemlich gut und der Film war fantastisch. Der Einfluss von Hip-Hop der 80er und 90er ist klar erkennbar
Mich würde auch interessieren, ob es alternative Songstrukturen gibt, die befriedigende Musik hervorbringen. Das ist nicht sarkastisch gemeint, sondern ein Thema, das ich wirklich erkunden möchte
So etwas wie „Badger Badger Badger“ wird sehr wahrscheinlich an eine bestimmte Zeit erinnern. Ähnlich könnte auch „Uh-oh uh-oh uh-oh“ eine jüngere Phase in Erinnerung rufen
Ich weiß nicht, ob das heute noch so ist. Ich höre vor allem persönliche Spotify-Playlists oder „Classic“-Radio, was inzwischen Musik der 90er und 00er bedeutet
Das war damals ein Effekt der kommerziellen Musikindustrie, und wahrscheinlich haben die Marketingbudgets der Filme stark dazu beigetragen, diese Songs in die Charts zu bringen
Die Jahre, die meinen Geschmack am stärksten geprägt haben, waren 1977 bis 1982. Das war eine Phase, in der in vielen Genres hochwertige Musik explodierte: Disco/Uptempo-R&B, Funk, Hard Rock, Progressive Jazz, Punkrock, Reggae, Synthpop, elektronische Musik und mehr; einige davon waren gerade erst entstehende Genres
Aber auch 1976 war quer durch die Genres ein prall gefülltes Jahr, ebenso 1983, 1975, 1974, 1984 und 1985
In der Musik gibt es praktisch kein Jahr ohne lohnende Ansatzpunkte: interessante Hits, Verschiebungen dessen, was aus der Mode kommt und was vom Rand ins Zentrum rückt, Material aus der Peripherie usw.
Vielleicht war das Ende 1992 beim Grunge so, aber Grunge wurde übermäßig groß, und es gibt abrupte Veränderungen, die man auf eine bestimmte Zeit und einen bestimmten Ort festmachen kann, so wie Nirvana und andere Indie-Rocker den Niedergang von Glam Rock/Hair Metal mit auslösten. Solche Ereignisse kamen jedoch seltener vor oder waren zumindest weniger entscheidend, und das hat vermutlich damit zu tun, dass normale Leute anfingen, viele verschiedene Musikgenres zu mögen. Ein so breiter Geschmack war vor der zweiten Hälfte der 90er nicht besonders verbreitet
Der Musikgeschmack der Menschen war wirklich unglaublich eintönig
Schön auch, dass Frank Valli angemessen gewürdigt wurde. Mein Lieblingssong von ihm ist der Disco-Groove Who Loves You
Interessanterweise gab es Mitte der 70er ein kleines Revival des Stils und der Kultur der 50er, vermutlich wegen des Erfolgs von Grease und Hauptdarsteller Travolta
Im Pop gab es New Wave, und Hard Rock lebte mit Van Halen, Boston, AC/DC, ZZ Top und anderen wieder auf. Im frühen Metal gab es Metallica, im frühen Hip-Hop Sugarhill Gang und Houdini, und Bands, die Ende der 60er aufgetaucht waren, wie die Rolling Stones, The Who und Pink Floyd, veröffentlichten immer noch gute Werke
https://en.wikipedia.org/wiki/Sha_Na_Na
Danach gab es nichts Vergleichbares mehr. Ich halte die Ohren offen und warte noch immer, aber ich werde immer älter
Noch erstaunlicher sind vielleicht Menschen, die – wie Valli im Artikel – über mehrere Jahrzehnte hinweg erfolgreich waren. Der britische Cliff Richard stand seit den 1950er-Jahren in jedem Jahrzehnt an der Spitze der Charts
https://en.m.wikipedia.org/wiki/Cliff_Richard
Zusammen mit Presley hält er den Rekord als einziger Künstler, der in allen ersten sechs Jahrzehnten der britischen Singlecharts (1950er bis 2000er) vertreten war. Er veröffentlichte 14 britische Nummer-eins-Singles und ist der einzige Sänger, der in fünf aufeinanderfolgenden Jahrzehnten jeweils eine britische Nummer-eins-Single hatte.
1964 und The Beatles veränderten nicht nur die Musik, sondern die gesamte Unterhaltungsbranche. Eine Folge von This American Life zeigt das sehr schön: Unter https://www.thisamericanlife.org/281/transcript findet man „Act One, Take My Break Please“
Es geht um ein verheiratetes Vaudeville-Comedy-Duo, das für die Ed Sullivan Show gebucht war – ausgerechnet an dem Tag, an dem The Beatles in den USA ihr Debüt gaben. Sie wurden völlig überrumpelt und verstanden nicht, was da vor sich ging, bis sie schon mitten drin waren. Erst später wurde es ihnen langsam klar. Es gibt auch eine Szene, in der sie John begegnen; die Interaktion ist ganz gewöhnlich, aber die Symbolik ist surreal. Zwei völlig unterschiedliche Epochen trafen aufeinander, ohne zu wissen, wofür sie jeweils standen
Etwas überspitzt gesagt: Der Klang selbst des amerikanischen Lebens veränderte sich. Die alten Komiker hatten diesen Stil mit Schnellfeuer-Vortrag, Stimmfärbung, altbackenen Witzen, der Vaudeville und TV-Sitcoms prägte. The Beatles dagegen brachten etwas mit, das für die meisten Amerikaner völlig neu klang
Beim Film sieht man einen ähnlichen Unterschied. Vor der mittleren bis späten Phase der 60er gab es eine sehr stilisierte, künstliche Sprechweise und viele dieser seltsamen, unecht wirkenden „mid-Atlantic“-Akzente. Danach kamen viel realistischere Filme und Sprechweisen auf, wie in den Werken jener Zeit mit Jack Nicholson
Damals hatte ich noch nie einen Beatles-Song gehört; meine musikalischen Berührungspunkte beschränkten sich auf die Kirche und The Wonderful World of Disney. Ende der 60er hörte ich WPGC und Casey Kasems Countdown. Je älter ich wurde, desto mehr ging mir das alles auf die Nerven. Ich mochte den unverhohlenen Lärm und die Wiederholungen nicht, suchte nach Alternativen und nahm Punk und New Wave an
Lustig ist der Moment, wenn man im Supermarkt The Clash darüber singen hört, im Supermarkt zu sein. Ach, die 2020er sind eine gute Zeit zum Leben
Auch die allgemeine Sprechweise in diesen Filmen war nicht künstlicher als der alte Stil, sondern nur anders künstlich. Der alte Stil zielte darauf ab, die Motive und Gefühle der Figuren sehr klar herauszustellen. Der neue Stil wird Realismus genannt, ist aber keine echte Unterhaltung. Dialoge sind weiterhin funktionale Gespräche, die die Handlung vorantreiben, keine realen Gespräche
Genau darin lag auch das Revolutionäre an Tarantino-Filmen. Viele Dialoge waren viel näher an der Art, wie Menschen tatsächlich sprechen, und dass das 40 Jahre nach dem „Realismus“ geschah, scheint vielen zu entgehen. Tatsächlich wurde Realismus von Schauspielern oft als „Nuscheln“ interpretiert, sodass man häufig die Lautstärke hochdrehen oder Untertitel einschalten muss, um zu verstehen, was eine Figur sagt
Ich bestreite keineswegs, dass diese Zeit revolutionär war, aber die Vorstellung, der alte Stil sei im Kern unecht und der neue Stil im Kern echt, ist ziemlich falsch. Beide sind ziemlich unecht. Nur hat sich der neue Stil so tief festgesetzt, dass Menschen darauf trainiert wurden, tatsächlich so zu sprechen. Die Sprechweise realer Amerikaner klingt, als wären sie mit Filmen aufgewachsen, und bei fast allen fühlt es sich so an. Auf alten Aufnahmen klingt es nicht so, und selbst mit starkem Akzent klingt es völlig „normal“
Ich sehe das ähnlich wie bei Mode. Kleidung wird schmal und eng, dann kommt die nächste Generation und sie wird weit und locker, und mit der darauffolgenden Generation wieder schmal. Auch in der Politik gibt es ein Pendeln zwischen Förmlichkeit und Lockerheit. Boris Johnson in Großbritannien ist so ein Beispiel
Wenn unsere Generation einen Bruch erzeugt, kann sich das wie ein „gewaltiger Wandel“ anfühlen. Weil die Babyboomer die Debatte so lange dominiert haben, wirkt es, als würden die Veränderungen der 60er übermäßig oft wiederholt. Auch im Artikel versucht der Autor die Veränderungen der 90er im Grunde auf eine Änderung darin herunterzubrechen, wie Billboard Künstler rankt. Ich denke, das hängt teilweise mit dem Wunsch zusammen, die 60er als außergewöhnlich und legendär zu sehen – also mit Boomer-Nostalgie
https://memory-alpha.fandom.com/wiki/Charlie_Brill
Meine Arbeitshypothese ist, dass das neue Ziel des Rock ’n’ Roll der 60er persönlicher Ausdruck war. Vaudeville-Auftritte drückten im Allgemeinen nichts über die Person selbst aus. Natürlich ist das immer eine Frage des Grades, aber dort gab es keinen „Let It Be“-Moment, keine Aggression und keinen Ausdruck tief empfundener Liebe. Vaudeville und ein Großteil der Popmusik vor den Beatles waren im Allgemeinen eher Unterhaltung als Kunst
Im Jazz sieht man ebenfalls den Wandel von Ellington zu Coltrane. Dasselbe gilt für den Aufstieg der Folkmusik. Die Crooner der 50er verspotteten die Singstimmen der Rocker, weil ihr Ziel eine ästhetisch schöne Stimme war. Vielleicht sahen sie nicht, dass es den Rockern im Kern um persönlichen Ausdruck ging
Natürlich ist das sehr stark verallgemeinert. Auch nach den Beatles gab es viele schöne Stimmen, auch davor gab es Selbstausdruck, und die Grenzen sind nicht perfekt
Derzeit wirkt es, als entfernten wir uns von persönlichem Ausdruck. Falls das stimmt, ist das meiner Meinung nach zum Teil eine Folge der Kulturkämpfe. Persönlicher Ausdruck wird mit Liberalismus verbunden und daher von vielen abgelehnt; echter persönlicher Ausdruck kann zudem unbequem und nonkonformistisch sein, weshalb er von vielen als spaltend und provokativ wahrgenommen wird. Allerdings baue ich hier nur Spekulation auf Spekulation.
Dieser Beitrag fragt, ob eine neue Art von Popstar die Karrieren bestehender Popstars beendet. Allein anhand der verwendeten Top-40-Hitdaten bleibt das unklar, aber die Erkundung an sich war interessant, und ich würde gern eine tiefergehende Analyse mit mehr Daten lesen.
Eine einfache Analyse der Veränderung der korrelativen Überlebensrate, etwa bei Top-40-Hits vor und nach einem Schock, dürfte es auch für Unternehmen oder individuelle Karrieren bereits gegeben haben. Umso plausibler wäre das, wenn dieser Schock ein Umbruch wie eine neue General-Purpose Technology oder die aktuellen Veränderungen rund um LLMs ist. Ich habe ein Déjà-vu, dass es dazu sicher Literatur gibt, die Anpassung und Adoption als wichtige Faktoren betrachtet. Konkret müsste ich ein LLM fragen oder länger darüber nachdenken, aber was mir sofort einfällt, sind Jeff Dings Texte zu Technologieschocks und geopolitischer Macht, auch wenn die Größenordnung eine andere ist. Jedenfalls dürfte es auch Literatur zum Überleben von Entertainern nach einem Schock geben, die helfen könnte einzuschätzen, welche Schocks relevant sind. Ich halte es für gut möglich, dass die Beatles oder bestimmte Megastars nur eine Scheinspur sind.
Nur anhand des Titels hatte ich eine andere Frage erwartet: nämlich wie viele Star-Karrieren die Karriere eines Megastars beendet oder verhindert, und darüber hinaus, welchen Einfluss große bis kleine Stars auf Amateure haben. Aus Sicht der Konsumenten können Stars ein Positivsummenspiel sein, und sogar für kleinere Produzenten könnten sie positiv wirken, indem sie die Gesamtnachfrage und den Wunsch zu amateurhaftem Schaffen steigern. Da Aufmerksamkeit aber endlich ist, bin ich bei Letzterem skeptisch.
In Bereichen wie nicht auf Aufmerksamkeit basierenden Technologien, in denen die Nachfrage nicht durch Aufmerksamkeit begrenzt ist, bin ich deutlich optimistischer, dass Megastars ein Positivsummenspiel sein können. So oder so würde ich gern eine ernsthafte Analyse zu diesem Thema lesen.
Einen Film über ein hochtrainiertes vierköpfiges Musik-Hitman-Team, das konkurrierende Bands ausschaltet, würde ich mir auf jeden Fall ansehen. Die Szene, in der John auf dem Dach mit dem Fernglas nach dem Ziel sucht, Ringo daneben mit dem Scharfschützengewehr steht und John mit Scouse-Akzent die Entfernung ansagt, wäre irgendwie wirklich herrlich.
Der Artikel scheint vorauszusetzen, dass die Beatles und die 90er schlecht für Künstler waren, Karrieren ruinierten und sie zu One-Hit-Wonders machten. Vermutlich steckt dahinter die Annahme, dass sie sonst mehr Hits gehabt hätten; ich sehe diese Phasen dagegen als außerordentlich gut für Künstler.
Es gab so viele One-Hit-Wonders, weil diese Zeiten das öffentliche Verlangen nach neuer Musik öffneten und erzeugten. Die Künstler, bei denen der Text davon ausgeht, dass sie eigentlich mehr Hits gehabt hätten, hätten meiner Ansicht nach womöglich überhaupt keine Chance auf Radio-Airplay bekommen und daher gar keinen Hit gehabt.
Statt zu fragen, wie viele Künstler die Beatles getötet haben, wäre vielleicht die bessere Frage, wie vielen Künstlern die Beatles überhaupt erst den Weg bereitet haben.
Früher gab es viele Live-Performer, Lehrkräfte und Musiker in Radioorchestern; heute gibt es viele Live-Performer, Lehrkräfte, Session-Musiker sowie Komponisten von Themes für Filme, TV-Shows, Werbung, Videospiele und Ähnliches.
Eine Geschichte mit unsicherer Grundlage: Ein Freund der Familie spielte Anfang der 60er in einer aufstrebenden Oompa-Band.
Sie dachten, dieser Markt würde groß werden, und hatten auch ziemlich große Auftritte gebucht. Dann sahen sie die Beatles in der Ed Sullivan Show und hörten sofort auf; jeder suchte sich einen anderen Beruf.
Ich habe das Lied gehört, von dem manche behaupten, es habe „Dylan dazu gebracht, zur E-Gitarre zu greifen und die Rockmusik in eine völlig neue Richtung zu stoßen“. Es war schon immer ein Lieblingssong von mir.
Es ist sehr eigenartig, dass „the Brits“, größtenteils junge Leute aus der Arbeiterklasse, amerikanische Themen und Stile den Amerikanern vorgestellt und mit ihnen kombiniert haben und dadurch einen solchen Einfluss auf die amerikanische Kultur hatten. Und das noch vermischt mit anderen amerikanischen Kunst-Memes.
Sie injizierten dem Rock ’n’ Roll ein rauchiges Blues-Gefühl und brachten Themen der Beat Generation in den Pop. Etwa drei Jahre später imitierten amerikanische Musiker junge Männer aus Liverpool, die wiederum amerikanische Sängerakzente nachahmten.
Und doch wirkt es merkwürdigerweise nicht kitschig. Zumindest für mich klingt dieses Lied wie echte Americana.
Auch Black Sabbath nahmen Bluesmusik, stimmten sie tiefer und spielten sie langsamer, was damit zusammenhing, dass Tony Iommi bei einem Arbeitsunfall Fingerspitzen verlor. Moderner Metal steht enorm in der Schuld von Black Sabbath, besonders langsam gespielte Stile wie Doom Metal und seine vielen Subgenres. Zwischen den Ländern gab es viel Austausch, und ich denke, deshalb waren diese Musikrichtungen so eng mit der gesamten psychedelischen Bewegung verbunden.
Als schwarze Amerikaner auf der Suche nach Industriearbeitsplätzen in den Norden zogen und gute Löhne bekamen, kam ihre Musik endlich auf die Landkarte. Anders als Blues so aufzubereiten, dass sie im Radio für alle gespielt werden konnte, war ein Geniestreich.
Wenn man heute den Backkatalog der Beatles hört, ist er ziemlich schwach. Motown klingt immer noch frisch.